復仇路上只有我和你—《The Revenant》

Alejandro González Iñárritu作品。不知是否自己觀察不到什麼端倪，《The Revenant》的劇本竟然比我想像簡單好多。《Birdman》不止在場面調度或劇本上，而是電影整體都算得精準，幾乎一半以上的劇本都是象徵和精神性符號，完全是衝著奧斯卡，也毫無意外的打敗與它類型極端的《Boyhood》。一個老謀深算，一個清澈如水（這樣形容對嗎？哈哈），但我更愛後者多一些。

講述男主角在探路時被黑熊襲擊，他成了隊員們的負擔。男主角的孩子和兩個男配角被下令留下來照顧他，tom hardy飾演的男配角覺得男主角會拖累他們被印第安人殺死，於是就想把男主角殺了。結果錯手把男主角的孩子給殺死，然後小李也開始了這場復仇之路。Tom hardy的角色很有趣，他不是被標簽化的壞人，他是一個很實在的普通人，為了生存不惜一切。然而在這種環境底下，他的觀點并非不成立，這只是人性一種最自然的本能。

《The Revenant 》的野心依然是衝奧，但相當意外他的劇本竟然沒有《Birdman》如此精打細算，這部的重點主題只圍繞著'生存是為了復仇'，影片花了一小時半的時間都在篇幅生存的意志，後一小時都是復仇的決心。雖然途中也穿插一些宗族歧視問題，人性的本質，宗教與無神論的對峙，但這些都是'生存'延伸而出的矛盾，這些穿插無疑是讓整體的主題更加的鮮明立體。

Emmanuel Lubezki的攝影作品我只看過《Children of Man》《Gravity》和《Birdman》，郊外，綠幕和劇場，這三部都各自在長鏡頭的領域以及意境上有著突破和驚喜，也難怪《The Revenant》大家依然期待他的長鏡頭突破。但這次他的長鏡頭少了，更注重於寫實風格，樹林戰爭和一些宏觀的大自然景色都利用自然光拍攝，多數近身特寫人類在不斷用剪輯大自然的空鏡來彰顯人性的狂傲自大。小李（男主角）求生時并沒有過多的對白，完全是靠著這攝影師的構圖設計帶出人類在大自然界對生存的渴望及人性的本能，以淺藍色色調象徵人類的虛無飄渺，生存的孤獨以及人性之間戮殺的冰冷。這次Emmanuel的鏡頭情緒和意境也是我目前最喜歡的一次，雖然前幾天看見網友分享一個視頻說《The Revenant》的構圖設計與Tarkovsky某些電影鏡頭幾乎一模一樣，當我看了對比視頻也嚇了一下。但我還沒看過Tarkovsky的電影，就不予置評了啦。

小李這次的演出看見大眾都說不是他的最好作品，但我沒看過太多他的表演，而我很喜歡他在《The Revenant》的演出，對我而言是精彩。對白不多，從殘喘於垂死邊緣的奄奄一息到在大自然界前的無助和孤獨，對生存的渴望而憶起摯愛和復仇的決心，角色情緒複雜多變，好奇他怎麼揣摩一個接近是野人的角色。但覺得有點可惜後半段小李太多對白，他獲救回來之後還要談作戰方案和爲受害者解釋來龍去脈，我在想歷經了被熊攻擊到幾乎至死，被自己的隊友拋棄，孩子更被其中隊員殺死，被大自然界的冰天雪地襲擊，還要跌下懸崖和瀑布，既要自尋想辦法獵食又要躲避被印第安人追殺，經歷了那麼多艱辛不堪的求生計，這種環境下他應該更沈默或暴戾，至少人物的情緒應該更俐落，更野人一點，純碎復仇，不需要言語了。（小李還要生吃肝臟，生吃魚，佩服他的勇氣。）

《Babel》之後，導演再次找了坂本龍一來擔任配樂，但我個人就覺得效果不如《Babel》出色。反而，音效這塊的處理比配樂來得更好，收錄了大自然界的聲音；人類的殘喘聲，河流的漂流聲，動物的鳴叫聲，蟲鳴聲，甚至連看不見但也有絲絲的蒼蠅的徘徊聲音。這種大至自然界，小至昆蟲的聲音，都是紀錄著萬物生存的象徵和存在。這點對生存的主題是非常大的幫助，多少部好萊塢電影會利用音效強化主題和生命呢？多數不外乎都是靠著對白和演技，音效只注重於爆破場景。另外，近年都覺得好萊塢的動作設計越來越好看了，Mad max和這部的設計都好寫實俐落。

個人這部電影的技術性非常強，錯誤處也犯得鮮少，奪奧的幾率的不小（Big short是大黑馬，直覺他很大機會得最佳電影），而這導演也是我覺得目前進軍好萊塢都保持著一定水平的一位。

*其實有注意到birdman和這一部都有隕石的墜落一幕，但個人想不出端倪。這電影對信仰和無神論的戲份處理也是很不錯，但懶惰寫了～哈哈哈

宣傳創意大於電影—《Deadpool》

Tim Miller作品。從海報設計至宣傳到口碑，這漫畫英雄的路線都是反英雄，嘴賤等形象，而嘴賤形象的人物自然吸引嘴賤的我。

這部電影反英雄，打破第四道牆與觀眾互動，將部分電影幕後的事跡通過這人物作出調侃，諷刺美國漫畫英雄和美國笑話，原本這種題材可以很過癮很抵死，可惜對我來說這套悶場連連。不否認有些笑點我并不了解，電影也並不是拍的不好，看得出導演試圖顛覆一般好萊塢英雄電影的敘事手法，但在我看來，這顛覆其實也不過是公式化的變動，不出驚喜。有如前幾年前的Ted，一樣也是將原本可愛善良形象的熊公仔顛覆得下流低俗好色。

電影敘事的跳躍剪輯手法加上調侃的對白，其實在美國電影也屬常見，這手法對我而言是惡搞多於創意。《The Big short》雖然大部份時間我都是癡呆狀態，但其敘事能力對我來說才是創意，以不同階級人物對觀眾分析金融學術語，又或者《House of card》打破第四道牆對觀眾喃喃自語的設計，嚴肅沈重的題材通過第四道牆，諷刺和玩味都十足。這是因為他們的對白或隱喻手法與故事的背景極端，諷刺就會昇華成玩味；而《Deadpool》背景屬於虛擬輕鬆電影，其實可以玩得更大點，但可惜他只是將這人物設計得輕佻，低俗，但依然是逃不出英雄的英雄狀態的框子裡。由於背景並不屬於真實性的，若去得不夠儘的話，惡搞成分會高於玩味。Ted 2口碑不一，但我個人覺得會比這部好。雖然玩味不足，但導演利用虛擬背景（玩具熊）去談人權和存在感的議題，這樣的設計就有了諷刺的快感。（至於拍得好不好就見仁見智）

《Deadpool》就是在公式化的英雄形象裡耍了點低俗，耍了點白癡加上扮下萌，要讓人對這人物留下印象其實不難，但我覺得幾個月後我就對這電影毫無印象了，我只記得這角色。海報與宣傳比起電影更有創意。

周星馳的內心世界與符號。豈止娛樂片那麼簡單？—《美人魚》

周星馳作品。華人影星之中要聞名世界的通常都是武打明星，比如李小龍，成龍以及周潤發（也是以動作片聞名），而喜劇的話目前似乎只有星爺一位。周星馳一名除了是喜劇偉人外，更是多數華人的跨時代記憶。周星馳雖然沒主演《美人魚》，但單是'周星馳作品'這金字招牌，首日票房就已經破億，更破了中文電影的首日票房紀錄。

中港合資難再有港味，所以這也是令很多人覺得周星馳不再是以前的周星馳，其實，周星馳確實不是以前的他了，他不斷在進步著，是我們觀眾一直緬懷著昔日的香港，那些伴我們成長的低俗笑料歲月。現實中香港如今都幾乎面目全非，而觀眾卻還在停留在香港電影最輝煌的年代，如今變得是電影，是人，更是時代。

星爺執導作品裡，我認為《功夫》是他拍得最好的一部，《美人魚》是《功夫》之後最令我感動的劇本，感動的是這部看見很多星爺符號及內心世界。華人喜劇電影至今產不出另一位笑匠，是因為他們不像星爺明白喜劇本質是悲劇，星爺的戲感動往往都是脫離不了草民的勵志和共鳴性。其餘電影頂多也只能抄襲周星馳的無厘頭，可是出來的效果只剩下惡搞，毫無內涵可言。

《美人魚》一開場就滿滿周星馳式的符號，比如：鹹魚，雞翼，醜女，笑到窒息，童話愛情等。其中一段是我最喜歡的台詞：就是你是XXX（通常是被人瞧不起的低階級人事物）也影響不了你是XXX（萬人敬仰的事物）的身份。這類型對白很勵志，莫問出處，只需你不放棄，你也能達到被敬佩的人物，星爺搞笑背後總是那麼激勵人心。曾在《少林足球》出現過經典道具的鹹魚，在這次也出現了。當年的 '人如果沒夢想，和鹹魚有什麼差別？'到現在的《美人魚》鄧超角色的迷失，彷彿和星爺現實中是呼應的。鹹魚一直被星爺拿來比作人生的無奈和自我的嘲諷。

周星馳再次以'鹹魚'自我調侃一番。

《美人魚》的核心問題是講述生態環境及環保，其中不失周式笑料和童話愛情的憧憬。鄧超角色是周星馳的投射，有一幕和女主角吃燒雞最讓我感動。周星馳兒時家裡貧窮，雞是奢侈品，母親常把雞讓給他吃，他唯有把雞肉推翻在地骯髒了，母親因不捨讓他吃骯髒食物才願意把雞吃了，所以雞肉這東西常出現在周星馳電影裡，甚至是重要道具。當鄧超吃完雞肉并唱出'無敵是多麼寂寞/空虛'，那幕彷彿是唱出了周星馳內心的孤獨和空虛，這首歌的歌詞也是出自星爺手筆，沒想到他會將他的內心寫得如此坦蕩刺裸。由於我個人一直對星爺的內心是充滿想像，一直想透過他的電影慢慢組織一些他的內心世界，所以當我看到這一幕時，我真的被感動了。

星爺導戲向來一流，被他用過的女主角無一不紅，林允這角色可愛討喜演技又好，星途有望。她與鄧超的愛情戲一如既往是灰姑娘的童話愛情，由開始是醜女/低階級女生愛上了男主角，這樣的設計，也令人好奇星爺是不是將自己深愛過的女人類型塑造筆下的女主角？（好八卦）至於羅志祥，和上一次一樣，他的笑點演出是需要另一位老女人來襯托出來，雖然不至於令人討厭，可是離留下深刻印象的演出還有好一段距離。

如果你希望他還是90年代的周星馳，對不起，沒有。時代變了，環境變了，他也變了，只剩下觀眾還不願意前進。所以如果你還奢望有屎尿橋段，也沒有。老實說，這電影的梗都是老梗，但星爺的敘事功力更穩重了，能將嚴肅題材批判得充滿娛樂性又有血有淚，我相信目前也應該只有周星馳能做到。如果你為了要笑而笑，這部不會是好選擇，但如果你是真的很愛周星馳電影的話，這是我覺得他的回勇之作！至於環保課題是星爺去年開始就一直在跟進的項目，他一向來不談太多自己的私事和想法，但《美人魚》像是他以電影來回應世人的作品。這部電影，又何止娛樂片那麼簡單啦？我推薦！

魯蛇的青春-《青春，半生不熟》

《不求上進的玉子》/《青春，半生不熟》

山下敦弘作品。由於自覺個人非常頹廢，所以也特別鍾情頹廢類型的電影。其中以日本的最讓我深愛。他們對'頹廢'不如一般華人或洋人灌輸刻板式的墮落定義，日本更常將頹廢表現得只是一種純碎的狀態，不多加批判，不值入任何的道德標準，而是讓觀眾正視頹廢的面貌。

若以為這部戲是講述內心自我放棄的故事的話，那就大錯特錯。女主角是大學畢業後就終日躲在家做寄生蟲，不找工作，看漫畫，吃零食，睡覺，看著新聞台不斷謾罵日本毫無前途。照顧她的只有單身父親，他們之間的關係擁有著奇妙的關係，一方面爸爸非常憤怒女兒的頹廢，一方面又不斷的從容她；女兒似乎有點不屑父親，認為他的所有付出都是理所當然，但面對父親尋找第二春時卻產生醋意和矛盾。

影片的節奏緩慢，以春夏秋冬四季來貫穿情感的流動和轉變，只有七十分鐘，當好奇導演講了一小時的故事卻還沒進入重點的疑問時，戲結束後的情感才會從內心慢慢湧上來感受得到這部片子的魅力之處。沒有任何的信息，說教，批判或諷刺，整體的狀態乾淨利落，彷彿只是記載了時間的流失和細微內心轉變。

誰說青春一定要墮胎？青春要對著天空吶喊？青春就要淋雨？青春是什麼？人說青春就是拿來揮霍的，因為這就是你的本錢。是的，這部電影的青春就是如此放肆揮霍，因為他有父親繼續的供養她，而她也還年輕，青春就是任性。誰會有興趣拍攝魯蛇的生活圈？我相信也只有日本。若你也看過其他國家的魯蛇電影，請介紹我。山下敦弘這導演需要被記下，因為他的前幾部作品似乎都是圍繞著頹廢的議題。

愛情的記憶碎片—《自由之丘》

洪尚秀作品。依然散發著洪式風格，細述生活和感情小事，豔遇/遇見婚外情，談文學談社會談兩性等話題（令我聯想起Riachrd Linklater）。但你以為一切平淡似水的進行著時，你才會發現時間軸已被導演擊碎，並需要將他們重新拼湊。這些手法多數導演都喜歡用在懸疑片/動作或者黑色元素的電影，但洪尚秀則把它放在愛情上。

比如這部《自由山丘》我認為其手法用得高明，高明之處不是把它們搞得多隱喻或者燒鬧，反之這部雖然敘事手法并不是順序的，但并不難理解，反而還多了一絲絲命運嘲弄的笑話及虛實難分的色彩在內。

女主角接收曾愛慕她的日本男信件時不小心將這十三張紙條灑落滿地，但女主角卻只拾起十二張，遺留了一張在樓梯口。有趣的東西就開始了，女主角在細讀信件內容時，這時畫面就出現了日本男主角在信封裡的內容，可是這些男主角的敘事節奏是破碎的，因為這十三張紙條是沒標簽數字，所以女主角閱讀時也是跳躍式的。

因為這種'失誤'，電影多了一絲絲的惆悵的距離感，這種跳躍的敘事分段卻又和日本男主角的性格是一致的。男主角到韓國尋愛人時常到'自由之丘'咖啡館停留（自由之丘也是東京的一個地區），在他與陌生人對談時透露自己是沒計劃接下來的旅程，這性格卻和整體的敘事風格是呼應的。然後洪尚秀設計這麼一句對白：我猜你應該是藝術家，因為藝術家都這樣性格加上你有鬍鬚（大意如此），是非常調侃'藝術家'的框架之意。

然而高明之處在於影片一開始就注明了這是十八歲以上才能觀賞的標誌，可是戲內並沒有暴力血腥和太情慾的戲份，究竟這十八歲才能觀賞的內容在哪裏？是否是遺留在樓梯口的那張紙條？或是導演純碎開的一個玩笑？看洪尚秀電影簡直就是享受，淡淡的敘事，卻更多意想不到的驚喜，時而輕述時而批判，時而提出問題讓觀眾思考時而調侃大眾思維的自我限制。這也是洪尚秀至今時長最短的一部，僅有66分鐘，可是劇本的精準和玩味令人回味無窮。洪尚秀也列為我最愛的韓國導演前五名。強烈推薦！

又是心中有鬼—《紅衣小女孩》

程偉豪導演。憑著《保全員之死》榮獲金馬獎最佳短片的程偉豪，《紅衣小女孩》是他的首部長片。

改編自台灣轟動一時的民間傳說/真實事件，登山者用著V8拍攝沿途紀錄，之後看回視頻時發現有位紅衣小女孩跟隨他們在後。其五官模糊，之後拍攝的那人就厄運連連，事業低潮，被經證實後紅衣小女孩是'魔神仔'。

'根據傳聞描述，魔神仔是好奇或者調皮的精怪，會迷惑人類的心智或惡作劇，戲弄別人，其戲弄對象通常是老年人或者兒童，作法則是將人帶到山野川湖，使其迷路，無法回家，類似日本傳說中的神隱。' —摘自維基

電影的氛圍都營造得不錯，也算是台灣鬼片的小突破吧。台灣驚悚片最令我留下深刻印象的是《雙瞳》（之後的詭絲也挺有趣），之後鬼片這題材似乎都不是台灣的主流題材了。

優點是，氣氛不錯，不像一般好萊塢鬼片都是男主角不信自己老婆看見鬼，一直叫他早點睡覺，睡到老婆差不多要死了要甘願花錢來請抓鬼。這部的主角至配角全部都是相信民間的傳說，而詭異的地方就是只要你呼叫對方全名，魔神仔就會跟隨你。這設計的有趣是無關香港鬼片常論的陰陽氣輕重，也不是美式的以鬼來象徵小三破壞家庭美滿的橋段，這個驚悚點在於無關你帥不帥是不是男主角，你都有可能會遇見鬼。

缺點是，劇本空洞。依然逃不出華人鬼故事的'事出必有因'說教精神。為什麼不能讓人純碎的遇鬼？為什麼每次要套一大堆理由說因為你曾經做錯時，于心有愧讓魔鬼趁虛而入的橋段？而魔神仔的角色也過於CG，（有一度錯覺以為自己在看魔戒）深受好萊塢的鬼影響，喜歡大剌剌讓觀眾看見他們的鬼樣，而少了東方鬼含蓄的躲躲藏藏的神秘幻想。

雖然如此，但電影整體還是可觀的。（只是我太不悅華人每次說教的鬼故事罷了）而紅色，我想也是我最怕在獨自一人的深夜裡看見的服裝顏色。哈哈

再次相信什麼？—《Ola Bola》

青元作品。闊別兩年的最新作品，結束了他之前的尋親三部曲，這次的野心和目光已更大更遠。不誇張，這部有可能是本地中文電影裡最大製作的一部。

青元的三部曲裡，我覺得以《天天好天》是最令我滿意的。《大日子》的演出過度浮誇，失真；《天天好天》的哭戲雖然都很用力，但一些老人的情感戲是我覺得他至今處理得最好；《一路有你》則是雷聲大，雨點小，也是最令我失望的一部。其劇本鬆散，凝聚力不足，但勝在有美景彌補。

《Ola Bola》除了搭建80年代的遊樂場，更令人驚喜的是那些鳥瞰森林海邊等地域性的鏡頭，畫面美得拿去拍旅遊廣告肯定大為吸引。

我只能說，這次的作品不過不失。我以為這電影的焦點會多放在三族的背景差異而產生價值觀分歧的東西，畢竟足球不是個人主義的運動，加上馬來西亞的多元文化存在，其實應該可以更好發揮團隊之間的角色張力，但並沒有。電影更多注重在足球的戲份，至於文戲劇本只是交代幾位主要人員的背景生活，探討他們夢想背後的艱辛。那麼，有多艱辛呢？所謂的艱辛其實也不過是被人瞧不起，過於表面，而完全感受不到國家隊員的心理壓力等。

但，也因為是多元文化的關係，這電影若描寫太多文化差距的戲份，也肯定會引起一些他族觀眾的挑剔和放大，比如當年Yasmin ahmad電影就引起觀眾馬來同胞批評說是討好華族，又或者<lelaki Harapan dunia>被指貶低友族等例子。<Ola Bola>乃是大製作電影，許勝不許敗，我認為導演對文化刻畫的不足，恰恰也是導演的聰明處，或者說，青元從來都沒打算描寫文化這塊東西，僅是要表面帶過。（一路有你亦是同樣問題）

我一向來都認為本地華人演員若和友族演對手戲的話，肯定缺點一覽無遺。這次亦不例外，印度演員Saran kumar的演技是全片最精彩，而華人演員裡我則注意到了劉倩紋這女生。如我以上所說，艱辛這課題不在劇本之內，所以劉倩紋的角色也是淺談，但那場哭戲帶著憤怒與失望演的神情表現出色，略有彌補劇本的不足。至於我很愛的馬來演員Bront Palarae這次的演出雖然不如他以往出色，可是這次他則用了聲音來表演，爲電影大大加分，甚至他聲線帶動觀眾的情緒起伏遠比配樂還要強。

如果你認為音效這回事只是需要在好萊塢或鬼片才被正視的話，反正劇情片的音效也不會有多麼高潮迭起，那就去看看<Ola Bola>。杜篤之的對細節音效的控制，確實幫助了某些演員的生疏演技。

這次依然是有著素人擔任主角的構思，但其中又會找了本地明星擔任路人甲，由於一般華裔觀眾不熟悉其他宗族演員和素人的關係，只要畫面一出現他們熟悉的明星臉孔，一些uncle 安娣說不定會對著銀幕會心一笑和身旁的人說：'你看，黃一飛哦'的自然反應，所以電影途中不時會穿插一些華人明星娛樂觀眾。這點，導演和剪接師都算得精準。

尋親三部曲靠著華人傳統教育以及對愛的拘束成功引起觀眾的共鳴而不斷創票房新高，可是到了<Ola Bola>這種追夢加上足球題材又是否能再創下奇蹟？電影的口號是'再次相信'，那再次相信什麼呢？我相信廣告和媒體及網絡的力量。

總結來說，你若只求音樂帶給你熱血與高亢情緒就能熱淚的話，這部肯定能賺你眼淚。若是像我這種挑剔的觀眾，更想看見星光背後的心酸世界的話，那就別期望你可以表演柔情的一面了。

*馬來演員的角色叫Ali，印度演員的角色叫Muthu，華人演員的角色叫Ah keong。原來小學填鴨式教育的慣用三個名字都是足球員，不知道現在的學校流行著什麼名字對學生植入刻板的族群洗腦術？哈哈