豹死留皮，人死留名—《三少爺的劍》

《三少爺的劍》改編自古龍小說，1977年楚原版本的《三少爺的劍》爾冬升飾演三少爺；40年後，爾冬升從飾演三少爺轉變成去拍三少爺，這或許不過是個理所當然的翻拍作品，但對爾冬升的電影成長經歷來說的話，肯定也另有一番意義。

很多年前就聽聞《三少爺的劍》要再次被改編，而這部電影也是爾冬升一直很想拍的電影，當時的人選是張國榮和竹野內豐可惜張國榮之後就已離世了，可想而知從想法至完成品，這部電影的途中消耗的時間有多麼的長。

強調時間是因為我覺得如果這部片子是張國榮在世時拍攝的話，我能想像肯定不會像如今的慘不忍睹。張國榮在世時，中港合資未普及化，3D電影在中文影視圈也還未崛起，單單是這兩個因素，就不會成了《三少爺的劍》的硬傷。科技的進步，可以用後製來完成徐克武俠世界中更多高難度的動作，但也因此讓中文武俠片陷入了瓶頸之中。從邵氏年代的張徹陽剛暴力美學、胡金銓充滿舞台劇調度的詩意美學、再到徐克那種獨創兵器或絕技的硬派美學，到了今時今日，武俠的動作設計究竟還能玩出什麼新花招？2016版的《三少爺的劍》已經告訴觀眾答案了，即便找來了資深動作設計元彬聯合林迪安，全片卻不僅無神采，更是毫無武林之味。

南十三燕和三少爺像是徐克和爾冬升，前者是在武俠世界中不斷挑戰試圖突破自己；後者是三少爺的複雜內心轉化。爾冬升雖然沒有拍過武俠片，但三少爺這角色他理應是能駕輕就熟的，因為三少爺的內心從爾冬升的電影之中也是有跡可尋的。三少爺想離開武林的鬥爭是不想再堆積仇恨也是為愛而開始新的生活，這種老派的人物內心結構在《旺角黑夜》裡張柏芝的角色或者《早熟》的薛凱琪的角色都有異曲同工之處。他們都是被權利者操控的人，而他們都是為了脫離成為傀儡而追求新生活。

從爾冬升的所有電影看來，他所追求的從來都是對生活的態度或憧憬。《癲佬正傳》為求在生活中得到一席之地而衍生成悲劇、《新不了情》從樂觀癌症者的袁詠儀給了很多正處於事業低谷的劉青雲對於生活的啟示、《忘不了》的張柏芝努力走出自己對已離世的丈夫的思念和陰影，嘗試開始新的生活、《旺角黑夜》和《新宿事件》裡漂洋過海到異地追求更好生活而捲入了殺機、《早熟》因未婚懷孕而企圖逃離家人的責備而追求的新生活、又或者是《我是路人甲》及《烈火戰車》的為夢想生活而奮鬥等等的例子。從以上的例子都可以明顯看見爾冬升的生活觀，然而對於生活的幻想與現實的磨合一直都處理得相當不錯的爾冬升，卻在自己最想拍的電影看不見任何的創作者態度。實在可惜。

《三少爺的劍》前半段像是喜劇（很難笑的喜劇），而後半段卻大轉變成武俠片，前後強烈的分裂的情緒另這部電影處於尷尬的階段。雖然看得出爾冬升嘗試將老派的故事結構融入新型的武俠風格，并借古喻今的表現當今社會的各種現象解讀，但可惜這個嘗試不但沒有成功，更讓他的所有人物毫無魅力。

豹死留皮，人死留名是《三少爺的劍》裡其中之一的主題，積聚古龍原著小說，最佳導演徐克，最佳配樂金培達，最佳動作設計元彬和林迪安等一流的班底也無法令這部電影留下什麼好的印象或記憶。昔日的風光，如今的唏噓。慶幸這年代還有徐浩峰。

形式大於內容—《大川端偵探社》

大根仁作品。改編自田中亞希夫作畫的同名漫畫。共有十二集，每集平均25分鐘。

雖說是偵探社，但卻不是名偵探柯南那類型的偵查命案，此劇的重點也不在於細究偵探的辦案過程，反而其辦案手法也不過是跟蹤和找人這些對偵探的表面認知。

大川端偵探社裡的員工只有三位，一位是老所長，一位是能在夢中預見接下來委託人的案件情景的偵探，一位是擁有G/F奶的賣萌女員工（不清楚工作範圍是什麼，也只是不斷拋奶罷了）。此劇由始至終都未深入講述這三人的背景或內心世界甚至連生活作息也不過是在辦公室內，保留了偵探的神秘性。

小田切讓飾演的偵探造型帶有頹廢的痞子味，加上劇中充滿爵士的配樂和虛實交替剪接的畫面，爲此劇建造了獨樹一格的慵懶頹廢風格。當然，小田切讓這次完全是以帥在演戲，木訥，接近毫無情緒可言的角色，彷彿見過大風大浪之人，也因此他的神秘正是他的迷人之處。

每集一個案件，雖然這些案件也不見有多離奇特別，但依然是有一定的可觀性：荒唐，黑暗，溫暖等元素。每個被委託的任務之中都能從一些蛛絲馬跡看見一些日本文化和揶揄當代社會的價值觀點。但也可惜的是，由於這是一部深夜劇，所以在概念上雖也較大膽，但意識形態卻也保守，最後得到的結論也不過是中規中矩的老生常談。

空洞的教育片—《Redha》

Tunku Mona Riza導演。此片乃受真人真事而啟發，講述關於自閉小孩的成長史。說是成長史彷彿有點不太恰當，更正確來說電影的焦點是注視家人們如何接受孩子是自閉症并與他一起成長。

電影一開場彷彿就像旅遊片一樣，風景如畫，但接下來就是噩夢的開始。（不管戲內戲外）簡單的說明，電影前一個小時就是Tarantino風格，就是那種一個明明可以很直接了當的講出重點可是偏要花上一段時間和廢話慢慢引出重點。

電影上半場就是看母親如何含辛茹苦的撫養和教育自閉兒子，而丈夫不但不接受自身孩子是不完美的，還一直不斷讚美孩子：Bagus(好）, pandai （聰明）自我催眠和欺騙。或許電影是要走向寫實的風格，所以很多我認為很婆媽又啼笑皆非的設計橋段，比如：無端跑出自閉兒母親的好友出來說幾句'我們支持你，我們明白你辛苦，你要加油'的話後，就約女主角一起下海嬉戲，之後就回家了。（頓時空虛）

前面一小時真的很無聊又多餘，後面才開始有一點戲味。而所謂的戲味是因為都是好戲之人對戲，才有了可看性。飾演自閉小孩的兒童演員演技非常之好，可惜導演卻重視他父母多過他，小男孩在鏡頭前一直被失焦。剩下就看由原本不能接受自閉兒子的父親演變成接納孩子并引以為傲的心路歷程。

全片整體上對我來說是拍爛了，還好那個飾演自閉兒子的演員有演技，不然就淪落成爛片了。雖然創作者的出發點是好的，企圖教育觀眾什麼耐心什麼或者愛的教育一大堆之類的，但片子卻拍得毫無生命力，更別說是激發觀眾了。

現代社會的感情失序—《手機The phone》

金封柱作品。電影中常提到的時光倒流往往不如世人幻想般的美好，而是帶出流逝的宿命悲涼感。這類型電影早已多產的見怪不怪，喜劇，驚悚，黑色幽默等層出不窮。《The phone》的格局依然是逃不出這類型的形式和說教，但就勝於對懸疑的節奏掌握抓得好，也不賣弄時空交疊的燒腦橋段，簡單易懂，清楚明明瞭，直接了當。（雖然這水準在韓國電影來說是很簡單的事，處理得更出色的亦有更多）

一年前妻子被殺，一年後因天氣變化而接收到一年前妻子的撥電，於是丈夫決定展開隔空救妻行動。有一點的設計是我覺得設計得滿趣味，妻子在被殺之前，他們的婚姻已經出現決裂了，丈夫總是冷漠家庭，但妻子過世後，丈夫才花了一年的時間改過自新。但一年後的丈夫奮身冒險要救回一年前的妻子時，結果最後竟然是被一年前的自己救回妻子，最後的結局我們已經不清楚這是一年前還是一年後的時空了。

我認為這點的趣味在於丈夫意識到自己的過錯而打算彌補和自我救贖，但結果卻是被毫無悔改意識的那個自己挽救，最後一家真的團聚了嗎？命是保住了，可是這個丈夫究竟是一年前的他還是一年後的他？如是一年前的丈夫，他們婚姻的關係依然是決裂的，他依然是感覺自我良好而忽略家庭，挽救了性命，卻可能永遠也挽救不了感情和家人。是說教，但也是趣味。

電影之中，男主角利用電話救妻子，這個電子產品彷彿象徵著網絡的電子時代來臨。（可以把電影裡一年前的狀況幻想成是現實世界，一年後是網絡世界）現實中的我們，現已活在現實與虛擬之中的模糊地帶，我們可能不止在現實被欺壓，我們也許也會在網絡被霸凌；我們現實之中得不到發洩的出口，於是我們在網絡媒體盡情宣泄，而所有的行為舉止都是一個蝴蝶效應，我們也是間接的霸凌者，像是一個惡性循環，生生不息。但也相反的，我們在網絡平台得到的關心和鼓勵往往是現實之中所缺乏的。現實之中利用網絡平台拯救現實性命的新聞也不少，有利有弊。

最後恐怕我們大家都沉醉於虛實交疊的空間，與男主角的結局一樣，我們早已經分不清這個空間，甚至也分不出你我究竟是誰。

幼稚的嚇人橋段—《Conjuring 2》

James wan作品。一向都不是鬼片愛好者的我，也是因為朋友和網友們一致對James wan的作品讚賞有加，於是我也湊熱鬧的一起期待他的作品。（明明他的鬼片劇情全部我都忘得一乾二淨）

原班人馬再造《Conjuring》恐怖續篇，如此的噱頭是一個號召力，但對我而言完全沒差，上集有誰演，什麼角色我都不知道，純碎是衝著James wan看。電影類型裡，我想我對鬼片的要求應該是最低的，只求一直嚇我就好。大家都說James wan的嚇人節奏總在出其不意之時，可惜這部是我看過他最無趣的一部電影。

當然，每個人對恐怖的界線原本就不同，而我只是想分享為何這部的恐怖不如之前。James wan比其他鬼片有趣的一點就是對鬼的造型設計，他不屬於傳統我們對鬼的刻板形象，他的臉不模糊，沒長髮遮臉，反而是坦蕩蕩的展露他們的鬼臉。然而這部《Conjuring2》的鬼怪卻多幕利用電腦特效去製作噁心血腥的鬼臉，確實令人掃興。我最喜歡的其中一幕是小女孩在家裡的走廊問母親那個人是誰？一個遠鏡，沒有特別的配樂或音效，一個修女造型的女鬼就低調不張揚的站在那裏，我覺得這已經是全片最精彩的設計。

當然還有很多很難看和搞笑的畫面，男主角脫下自己的十字架項鍊安慰受害者小女孩時，我以為他會送給他，結果是—'哥送你的不是護身項鍊，是一廂情願。'。還有用Bee Gees的I started a joke一曲做插曲，與畫面的結合實在搞笑，還有老鬼永遠只能欺負女人和小女孩。（性別歧視這東西，死了做鬼都不曾放棄）

不過不失的溫馨大片—《我們的故事》

梁志強作品。懷舊電影在近年香港，台灣，馬來西亞都開始成為賣座的題材，新加坡也趕上了這股潮流。

配合新加坡建國50週年，所以難避免不了一些感覺自我良好的故事設計。電影圍繞著女主角在甘榜生活的喜怒哀樂，那年代依然處於重男輕女的環境，宿命與艱辛的生活依舊不放棄和堅持的精神，確實有意向自身國家展現敬意之味。

繼一連幾部的青少年成長片後，梁志強回歸自己最擅長的蔗民生活故事，有著前幾部的大製作執導經驗，雖然這次雖不至於有突破，但確實有種迎韌有餘的感覺。《我們的故事》分為上下兩集，所以與《獅城決戰》及《新兵正傳》有一樣状况就是上半部多注重於人物性格的介紹然後把重頭戲都放在後。但雖如此，我覺得這也比前兩部續集系列電影來得好看。

其中一點是我非常喜歡的，全片除了旁白，幾乎都是福建和潮州話，我一直認為馬來西亞和新加坡的華語在電影裡出現時都處於一種尷尬的局面，（馬來西亞比較嚴重）既不標準又勉強演員說出一些令人雞皮疙瘩的語助詞，如：啊，呢等。經典的表演方式大概是這樣：我啊，最討厭⋯（邊說台詞頭部邊點頭兩下/頭部轉一圈，彷彿自己是詩人）或者'你怎麼不吃飯呢？（強調'吃'的發音，請參考狄龍在'我來自紐約'的表演）。但或許福建話聽起來沒華語那麼文雅，它更屬於粗獷和直白點，所以一班蔗民說起來也較為順耳和容易投入。

既然是主打昔日共鳴，肯定免不了道具和生活點滴的東西。《我們的故事》沒有《我來自紐約》那麼刻意要給觀眾看他們的道具，他也比《Ola bola》植入一些那年代的生活環境來得自然一點（至少他沒有搭一個景和你說他在那裏工作就算了）。其中有一點我覺得設計有點趣味，就是警察來女主角的家要搜查找出流氓，然後他們把其中一個櫃子打開，那年代的碗碟都在那全景鏡頭的櫃子內一覽無遺，既可以show off道具亦毫無突兀感。

時代性的故事向來都難敘事，所以有很多幕對我來說比較像是一片段一片段的連接，而不是流暢的。李國煌的演出也是全片最精彩，雖然情緒都段落，可是每次他一出場，就能快速把觀眾的情緒跟著他走。他的角色性格其實不特別，簡稱就是有恩不報又嘴賤的大男人，表演很連續劇，但卻很具真實性，由於我身邊確實有像他這類型的人，不管在聲音和肢體或者面部的表演，確實很讓人信服他是那年代大男人主義思想的人。如果不是他，我相信這部電影大大減少了戲劇張力。

這雖然是新加坡電影，可是卻意外能讓人找到共鳴性甚至歸宿感，單是這點，我覺得它已經好過本地所有的中文商業電影。雖然免不了煽情路線，但這就是梁志強。這部片子我看了兩次，一次是首映，我毫無感覺。第二次是和家人去看，但能花區區幾十塊就能讓家人看得開心的電影，你還求什麼？這部絕對適合帶家人去看，我敢相信他們會喜歡，就算不喜歡，他們也應該會主動和他們講述他們那年代的生活。

缺乏深度的文化衝擊—《我來自紐約》

張爵西作品。首次執導已算是合格作品，但雖如此，個人還是覺得缺點比優點多。正確來說，這比較像是電視電影，無論在表演或技術上都較傾向於連續劇。

馬來西亞華人商業電影只有兩種類型，一是愛情，二是親情。而這兩者之中，後者較屬於安全路線，能被大眾接受。在馬來西亞之中，拍攝種族或文化之間差異的題材向來都會被人批評，不管是Yasmin Ahmad電影到今年最具話題的《Ola Bola》都一樣命運。

《我來自紐約》則有聰明之處，他不將文化差異限制於馬來西亞，而是東西方文化的拉鋸。這很容易讓大眾接受，因為這類型劇本不止可以滿足華人對西洋人的人權尊重和自由式教育的憧憬，最重要的是，在這種情況下總是會展現東方文化的淵博智慧。因為在這種情況下，通常都是對兩者的文化充滿敬意，不帶任何批判。比如：《一路有你》就是這類型最好的例子。

故事講述從紐約來馬和公公居住的孫女，由剛開始的彼此生活方式的摩擦到最後的依依不捨，在這段時間內，孫女不止結交了一班好友有個難忘的美好假期，更重要的是她也學會了寫中楷！（誤）是學會了包容與珍惜才對。劇本對我而言太多抄襲的成份在內，這劇本根本就是02年韓國電影《愛•回家》（也被翻譯成有你真好）的本地版，只不過是性別上有了調動罷了。

《愛•回家》講述的是媽媽因為要工作就把孩子寄放在啞巴又不識字外婆家居住，這小男孩不屑於這鄉村的環境和生活方式，總是對外婆做了充滿抗議性的舉動。一次男孩要求外婆買快餐炸雞給他，結果外婆錯誤理解做了土雞給他。臨別前，小男孩教外婆寫字，說得空寄信給他，萬一有什麼事就寄空信，小男孩就會立馬回鄉找她。小男孩最後給了外婆自己最喜歡的卡通卡片，背面都是畫上了外婆的樣貌，這段關係暫時離別了。

另外，台灣也有一個著名的廣告，是講述一個阿嬤第一次出國結果被海關攔下，原因是她身帶中藥，但其實她是為了帶去給剛生產完的女兒補身。一個女人，第一次出國，沒人陪伴，不會英文，她叫蔡鶯妹。

以上這兩段是否熟悉？當然你可以說是巧合，你更可以說抄襲不重要，只要抄得好。Christopher Nolan, Tarantino不都是抄襲嗎？要抄襲當然沒問題的，但隱晦點吧～或者先自行消化了再轉化成自己的信息，但《我來自紐約》則少了這個消化能力。當然，電影不是沒有感動的點，我甚至覺得他的感動點是沈寂的，是馬來西亞華人電影少有的。公公教孫女半生熟雞蛋的吃飯和一班朋友來找孫女約她出去走街，孫女得到公公的許可後一班小孩開心非常跑去換衣。我不否認這兩段的感動點是因為我兒時也經歷有關，但更重要的是，這兩場戲很自然，因為她沒有打算讓你感動，這樣已經很感動了。（不要懷疑，我在讚美。我知道聽起來像是諷刺多點）

劇本探討的多是飲食上的差異，而在語言不通下的情況卻看不見生活習俗的對比。所以狄龍一開始和孫女的語音不通，花了接近十五分鐘，笑點冷，而且不斷強調我聽不懂的橋段，實在累人。結果狄龍發現孫女原來會講華語而鬆了一口氣，我也鬆了。這也暴露了所謂的差異不過是靠對白來製造的，最大的差異不過是語言和飲食，生活沒問題。稍微提下《愛回家》有一場非常簡單但有力的表現生活間的差異，小男孩看見蟑螂害怕并叫外婆趕緊打死它，外婆抓起蟑螂并開窗丟了出去，這時窗外一陣陣的昆蟲鳴叫聲。他們不用對白，反而利用環境和音效來講故事，城市的窗外無森林，他以為把蟑螂丟了出去就不會再有蟑螂了，但外婆的家是在鄉下，窗外的昆蟲聲已經否定了他的生活認知。

狄龍是演技之人，可是這次的演出很僵硬和尷尬。他一口饒舌的彆扭華語實在令人難以接受。為什麼不讓他和宣萱乾脆說粵語就好了呢？馬來西亞人也很多說粵語的啊。可以看到的是，導演對演戲的教戲是非常連續劇的。比如狄龍不認同或難以接受孫女行為時總是以嘆氣和搖頭來告訴觀眾他的內心。原來現在還流行這套表演方式？

不確定導演是否有段日子是居住在國外？因為在這電影裡，可以看到的是攝影師總是不斷捕捉道具和一些舊式的本地飲食文化。剪輯除了不夠流暢外，對以上我說的片段總是不捨得刪減，彷彿要告訴觀眾和外國人知道：吶！我們的飲食文化就是如此。這點也是多數本地導演的通病，總是要讓觀眾看清楚他們花了多少錢在道具上。

和《紙月亮》一樣，配樂找來了黃子達和宇田。一段好的配樂對我來說是不會讓你意識到它的出現，它是在你不知覺時慢慢的挑起你的情緒。但多數商業片總愛以配樂來告訴觀眾你現在應該要有什麼情緒。就像鬼片一樣，音樂的出現是一個預警，不知覺暴露了音樂的空洞。《我來自紐約》裡的歌曲比配樂好多了。

導演找到了兩位出色的童星，女主角和一個小胖。這兩位是全片最好的演出，非常自然。飾演孫女女主角的陳沁霖的表演方式比李馨巧好，李的演技太模仿大人了，非常油膩的表演方式。也因如此，電影裡的兒童時光比起和公公的相處時光更加令我動容，狄龍和孫女間的對白過於肉麻而失真。

雖然說是合格作，但談的似乎都是缺點，哈哈。優點已經不斷在網上洗版了，少我一位講也不少。其實，我覺得這部電影有種幫含蓄爸媽傳達給孩子的暗示，他們渴望你們的陪伴。所以這類型電影常賣座也不無道理吧？我想。還有，馬來西亞是一個不容許批判的國家，所以 Jagat那類型電影的票房總是少得可憐～華人觀眾是以共鳴在看戲的。

如有興趣觀看蔡鶯妹事件的短片請參考：http://youtu.be/56x86_pV87A

港式動作設計的沒落—《我的特工爺爺》

看完《我的特工爺爺》也應該是上個月前的事了，電影平凡得提不起勁寫下觀後感。韓國電影《中國城》也是同樣的情形，於是就乾脆放在一起寫一篇算了。巧妙的是，這兩者的故事或風格的對立像是反映了香港和韓國動作劇情片的現況。

《我的特工爺爺》講述的是一個退休又瀕臨老人癡呆症的老特工，曾經因健忘症而讓孫女走失至今下落不明。如果看見鄰居的女兒可愛又可憐，於是就打算扛起地表最強的爺爺名譽誓死保衛小女孩救贖。這類型電影已是成年老梗，但看得出洪金寶企圖突破上個年代港產動作片的瓶頸而做出一些流行元素，比如：播著充滿文青風但又和電影強烈違和感的英文歌，多場以小刀做出主要的動作武器明顯效仿韓式動作片。不抱任何期望去看，只求動作設計，但可惜設計依然是中國商業片水平，就是我打你一拳還要電影特效讓觀眾看見你骨折的狀況。對於這種設計，實在令我反感。（請問是參考一拳超人嗎？）*省略吐糟300文字

《中國城》則相反，女主角看見孤兒小女孩（是洪金寶的孫女嗎？）露宿街頭而撫養她長大成人。不像華人不斷宣揚孝道，而是將小女孩訓練成兇狠的大耳窿以在未來繼承自己的地位。然而，小女孩成年後卻戀上帥哥欠債人，并企圖和他私奔，最後全部互相殘殺死剩小女孩。一個溫馨，一個兇殘；一個發揚愛的世界，一個宣揚惡之教育；一個婆媽的情感累贅，一個幾乎無情可言，一個一拳超人的動作設計，一個寫實兇暴的設計。

韓國電影《中國城》海報。

韓國片比華人更有一套理解暴力的本質，華人總是離不來情和義，將復仇正義化，設計五個人被殺三個，男主角就可以理直氣壯的打死人了。但韓國片的暴力更爲純碎，沒有任何情感，殺戮是為了不想死，殺光眼前妨礙他們生存的障礙者。華人始終不肯放下自己的偽裝的道德價值觀，所以劇本和動作設計都沒有韓式的暢快和辛辣。武俠界來了個大俠徐浩峰，但香港的動作片裡依然看不見新的接班人，動作片的地位也已經被韓國取代。

眼高手低的溫馨片-《我們的故事2》

梁志強作品。如上集一樣，看完并沒有太多的感想。（結果最後還是發現長篇大論）雖然故事是延續自上一部，但其實無觀賞過上集亦不會影響故事的發展或者情緒的鋪排，所以這方面是無需擔心的。

之所以說不影響是因為上一部的電影更多時候是在做人物的介紹，並無太多高潮的戲份，或者人物的轉折點，整體不過不失。但來到了第二部，電影的信息更加完整性了，在觀看新加坡的轉變時，導演利用文明的進步去洞視蔗民在社會變遷時思想及價值觀的對峙或摩擦，各方文化和習俗的交融。在處理文化這一塊，梁志強比馬來西亞更加有膽量，雖然通俗和簡化，但其中不乏調侃著各種族對傳統思想的封閉：華人男尊女卑的思維，馬來人錯誤理解或者說進入盲目的信仰宗教並對西洋搖滾樂理解成撒旦再世，印度人則與華人相似，一個充滿父權主義的大男人環境。然而這些思維卻讓他們在各自的家庭出現決裂，最後他們的思維和時代一起不斷蛻變才是唯一癒合家庭之間傷疤的管道。

雖然影片結束是標明著故事待續，但之後還能不能繼續開拍還是未知數，於是這部在某種程度上算是目前的結局篇。所以牽涉到的課題就更廣，自然也比上一部更多'高潮'戲，所謂的高潮戲就是灑狗血，賣弄親情，說教等等。但這些元素也是滿足一般華族對孝道和不屈不撓精神等自傲精神橋段而產生共鳴和自我認同感。

梁志強不是第一次拍攝有關甘榜的電影，早期就有《跑吧！孩子》和收錄在新加坡五十週年電影《七封信》裡的一部短片《那個女孩》。而這些的處理手法都比《我們的故事》來得成熟。原因是之前兩部都是單純講述甘榜的人事物，而這部的格局則是以新加坡改革時期對甘榜家庭引起新舊時代的思想上的鴻溝，但明顯梁志強卻還不夠成熟和高度去詮釋這現象。當然，相信這不完全是他問題，和《獅城決戰》及《新兵正傳》一樣問題，為了拍成系列電影而加入很多不必要的片段而導致累贅現象。

我說這是李國煌從影來的演出代表作，似乎給了他一個高帽，但回家再想想，這確實是他的代表作無誤。如果電影的方向不是打算走向連續劇格式，我個人認為李國煌確實有望入圍金馬獎。

整體而言還是那句，若你要求什麼電影語言一堆的就不必期待了，梁志強向來都不是走那套，反而說教成份也跟隨著他的年紀而增加，但無可否認梁導的笑話還是有一定的幽默。其實我建議這部電影帶父母親去看，總覺得那個觀影心理會像是傾聽他們的故事。

一廂情願的金錢遊戲—《Money monster/金錢怪獸》

Jodie foster導演。講述George clooney飾演的金融主播在錄製節目時被一位投資失敗的低下階層人物上台劫持，并要求揭發金融市場的黑暗操作。

這個故事和設定與年前的韓國電影《恐怖直播》非常接近，但韓國不管在剪輯或劇本上都比《Money monster》優越。同樣是以新聞媒體作為背景，揭穿資本主義的醜陋真實面相，但兩者來做比較的話，《恐怖直播》是成人五級片，《Money monster》只是三級片。（個人比較低俗，只能以A片做比喻）當然，三級五級各有人喜愛，只是我想說的重點是，前者對社會的指控就像法國/日本五級片一樣，不會為了讓觀眾舒服而不去直視一些性暴力的場面，但後者是所有的指控也不過是發牢騷，就像我們在面書上發的怨念status一樣，批評的都是表面話，甚至故事的後半段轉折更顯得一廂情願，就像三級片一樣，給你看了上半身，其餘的你自己腦補。

韓國電影《恐怖直播》海報。

《Money monster》一開場充滿沈重又輕快的戲謔配樂加上George clooney的飾演的評論員的浮誇舞姿，而背景是財經節目，這段開場他象徵著物慾洪流裡的嘲弄兒。導演彷彿將'金錢'和'新聞'兩個如此嚴肅沈重的題材以嗤笑姿態披露人性無知的貪婪。可惜，之後的故事發展一切都不過是公式化不變的橋段，尤其後半段的轉折點不止牽強，也是大煞風景。上半段調侃物慾橫流的無情，每個人民不過是資本家嘴裡那個不斷被剝削的魚兒，後半段卻突然人間有愛，聯手揭發金融操作的黑幕，這未免太一廂情願了。

George clooney的表演方式非常精彩，言行舉止都像極了一個貪賄無藝的階級人物，只可惜人物設定不立體，白白浪費了這個角色。說來，比較像是Julia Roberts一人在撐場，多幕僅有聲音對白卻不見樣貌的表演，已經把其他演員都壓下。而這部電影最驚喜的部分應該就是配樂了，利用古典管弦樂加上電子舞曲風，兩者強烈風格的碰撞，讓人充滿感官上的刺激。而一點非常好的是，我在網上聽整張原聲帶時，它不會像其他電影濫用過多的音樂甚至重復性的樂器或編曲而令人乏味疲勞，比如Hans zimmer。（別以為我是對他有偏見而不斷批評他，而是這原聲帶由Henry jackman全權操盤的正是Hans zimmer的得意門徒）電影開場的對金錢充滿追求快感的危機，到之後的壓抑與懸疑，直至最後的情緒大爆發的迴響都編排得富有層次感，即使沒看過電影，整張原聲帶的情緒的連續性帶動依然是非常之好。

*電影海報都很難看，這張應該是最有吸引力的了。

推薦類型：除了Demolition，這檔期的電影應該就看這部好了。

窺視無聊之中的人生哲學—《苦役列車》，《不求上進的玉子》

山下敦弘作品。實•在•是•太•好•看•了～～比起上一部看的《不求上進的玉子》，這部《苦役列車》將青少年在青春時期的迷失，孤獨，寂寞等情緒處理得更加透徹，透徹得痛入心坎裡。

同樣的，山下敦弘這次依然是以'無聊'作為人物設計的背景。總覺得日本電影非常擅長拍攝無聊和頹廢的電影，此無聊不是無謂和幼稚當有趣的意思，而是對生活毫無目標，對事物進入頹廢境界的無聊，是一種對千篇一律的體制生活做出對等的自我調侃和反思。前田敦子在《不求上進的玉子》裡飾演的女主角是個大學生，但卻終日不工作，日復一日的窩在家裡看戲新聞謾罵社會和政府，但卻要靠著父親全力養活她。然而，電影用了四季去隱喻了變幻的無常與流逝，在期待生活遇見轉機的同時，身為旁觀者的人們，卻在靜靜的時間裡注視著萬物逐漸的滅亡。導演在百般無聊的生活之中思考和觀察著'無聊'的存在位置，並且能在之中有著勉勵觀眾的勵志功效。

《不求上進的玉子》海報

《苦役列車》的青春就沒有《不求上進的玉子》那麼的'幸福'，更多的是現實殘酷的苦役，更令人揪心的是男主角的青春被時間漸漸吞噬之後的唏噓和落寞。森山未來飾演的悶騷青年，消極得對任何事情都提不起勁，身邊沒有朋友，空虛時就去風俗店讓女郎幫忙口交。直到某天他結交了一位男死黨，甚至通過這位死黨與自己心儀的女生成為了朋友，而這兩人就成了男主角青春時期裡最美好的時光。音樂方面必須要大贊特讚，保留了環境聲，只有短暫的撥弦聲（不確定什麼樂器），在憂鬱和壓抑的畫面之中，穿插著玩味的音樂，貌似在在無奈的現實之中苦中作樂。

青春之所以美麗在於他的短暫，死黨因有了女友并認為男主角不思上進而開始遠離他，男主角也因不懂得表達自我的情感而嚇跑了心儀的對象，於是又留下了男主角獨自一人。曾經在青春時期裡天真的以為某些感情可以直到永遠，但你很快就會明白，永遠其實並不遙遠，因為時光荏苒，現實和事物都會在時間快速的流動裡被腐蝕而轉變，你昔日的天真幻想很快就會成為了你的永遠。

《苦役列車》劇照。

朋友會因為有了愛情而開始疏離了友情，每個人開始有了自己的人生目標和生活，而你卻依然原地踏步，找不到生活的動力和情感寄託，於是你茫然，你焦慮又徬徨，一切的情感對於你都像個奢侈品。不斷的有人走進你的感情世界裡，但也離開的特別快，你會開心，傷心，憤怒，失望等等，但久而久之你對感情似乎也麻木甚至冷漠了，你明白所有感情終會離去的一天，最終陪伴你的始終只有你自己。這是戲裡男主角的心境，但相信也能引起觀眾部分的苦澀青春。和《Demolition》一樣，唯有讓自己跌入最深的谷底，你方能絕處逢生，男主角最後貌似跳樓自殺，但也死不去，於是他跑回他的垃圾房間裡開始寫作。在如此頹廢消極的氛圍內，直至最後終於萌起了絲絲的曙光。

不得不佩服山下敦弘拍片的視角，在'宅族'文化逐漸成為大眾化，人與人之間開始築起了冷漠的牆時，導演不說教，甚至進入了他們的世界，雖然未必撫慰人心，但一絲暖意總是有。

'即使是被人瞧不起的廢柴，也有其生存的方式爲生活而努力啊' （日劇熱血口音演繹）

推薦類型：強力推薦！

《北京遇上西雅圖2：不二情書》

薛曉路作品。看了預告片就心想這電影完了，但基於喜歡《北京遇上西雅圖》和湯唯還是去看了。不抱任何期望去看，結果這電影不是完了，而是死了！！

一開場的特效就驚豔了！原以為是什麼介紹電影公司名字的片段，細看之下，等等！那不是湯唯嗎？為什麼湯唯的造型設計和特效一樣那麼粗糙難看？然後這一段很難看的片段原來是不重要的，不存在也沒關係。純碎是湯唯得罪導演才設計如此難看的場面給她，也有可能就是想要炫耀有錢就是任性，不然我真的想不通幹嘛要塞一個如此低廉的畫面去降低自己電影的水平？！

劇情講述兩位主角因一本《查令十字路84號》的書開啟了書信的來往傳情，上演《澳門遇上洛杉磯》。兩位演員在上集的表演都非常有魅力，但來到了這一部，男的就負責耍帥，女的就負責耍⋯我不知道她在幹嘛。

知道了故事大概稍微了解下人物背景。吳秀波是帥氣的中年大叔，也是情場浪子，要樣子有樣子，要身材有身材，要錢有錢，要知識有知識，要女人有女人，要屋子有屋子，要跑車有跑車，可謂是鑽石王老五。然後這種情況下他才會有閒情玩一些現代人不玩的東西，比如書信傳情這類型。湯唯飾演的是賭徒，賭博工作陪男人又退避債主至於依然有時間和閒情進修中文和寫信。

接下來就是愛情進化論了。剛開始你就講你的故事，我就講我的故事，我們都找到一個心靈碼頭停靠，就差各自都沒出自傳書籍寄給彼此。說了一些現實殘酷的事情做為開場白，之後雙方就進入無病呻吟的對白（音樂響起，雙方帥氣美姿的替換剪輯）。電影演裡一個小時後，'靜靜'也差不多是時候出場了。'靜靜'的家靠海，所以男主角一個人去海邊走走，一個人靜靜吹海風，在夕陽西下的時候眼望遠方。靜靜很忙，但靜靜不說。陪完男主角又要跑去陪女主角，湯唯一個人靜靜吹夜風，眼望遠方。靜靜的來，就靜靜的走了，不帶走一片雲彩。由於是城市愛情故事，男主角不能一直動不動就駕車離開城市去海邊找靜靜玩emo，因為他還要陪兩個老人和一個女顧客和他的孩子，實在是忙。靜靜明白男主角是愛女主角的，男主角越忙，靜靜就越被遺棄。在電影裡靜靜永遠只能是陪伴的份，卻無法享用，單是這份無私的付出，已經比書信來得更浪漫了。

突然間的，男女主角的傳信就disconnect了。不知道幾時開始他們收不到彼此的信封，也不明白為何收不到？是因為吳秀波出差的時候？就算如此，湯唯有心的話幹嘛不把同一封信件寄給幾個地方，比如男主角的辦公室。這故事說明了，要和對方保持書信關係也希望確保對方的智慧。由於那本《查令十字路84號》的書在這電影裡扮演著重要的角色，於是編劇也設計了大量文謅謅的對白來'宣示'中文字的浪漫不比《查令十字路84號》遜色。

吳秀波很型很帥，然後他就脫衣了，露出他的六塊腹肌。帥哥就一定要脫衣和書生一定要帶帽子的原理是一樣的。他不斷表演我是最帥的男演員給觀眾看，要我們明白活到這年紀也是可以玩偶像劇的。其中還有一幕和湯唯躺在單人床玩牽手，他的眼神勢要觀眾知道：'我的眼神比梁朝偉更有魅力！覺得我誇大其詞？那請注意最後一幕他仰頭望湯唯那幕，配樂一下加上那個'我是不是好冷型叻'的眼神，我直接笑場。

即便我那麼喜歡湯唯，可惜她這次的表演真的毫無魅力，但慶幸不及吳秀波嚴重。在戲內講了幾段對電影毫無幫助的粵語對白，是想告訴觀眾你現在的粵語很標準而且還可以用來罵人這樣嗎？我在想如果湯唯見到是一個七老八十坐在輪椅上的老人（而且還要護士推著），這段愛情還會成立嗎？

推薦類型：相信緣分的人，要看帥哥美女的人（但我認為全片最帥的是秦沛）

樂觀態度延伸的暴力—《Tiapa》

高俊耀作品。口碑兩極化，但我是喜歡的那位。但我喜歡并不表示他無缺點，反而他的完整度並不如我之前看的《死亡紀事》，而且整個表演的動力和劇本的紮實度都不足。

表演一開場，數位演員陸續出來看著馬來西亞飄雪的情景，他們興奮，享受。他們集體活動，然後群體生活開始瓦解，被分化，被標簽，被強暴（不是強姦），一開始幻想的烏托邦世界背後才是血淋淋的面貌。

整場表演并沒有一個標準的劇本方向，正確的說他更像是一個概念式的章節，貪污，身份認同，文化入侵，人民現象等等。他質疑，他控訴，他反抗，他受傷，他害怕，但這些不過是一種情緒和表面性的反應，而不是劇本走向而衍生富有的情緒張力。

有十一位演員，我不明白為什麼需要那麼多演員，因為在這麼多演員之中，每位的經驗和水平都參差不齊。導演說是為了嘗試碰撞不同的效果，但我看來場面調度凌亂，演員的對戲火花不足，尤其一幕全景的設計，十一位演員分派至左，中和右邊各自演戲，而且聲音也是參雜，令人不知該注意哪裏？但，也因此卻讓我感受到這種環境正如馬來西亞的環境，分為主流的三大族群，各活各的，語言在這裡根本就沒有和諧的價值，只有噪音。

少量利用道具似乎是高俊耀的一個特色？他不濫用道具，一些劇場的表演道具的出現只是為了讓觀眾知道他們在幹嘛，卻不賦予他們一種出場的必要。比如，戲中演員望錶多次然後倒數，可是手上並沒有手錶的出現，在我看來這些是角色對時間上的無視，時間的存在只是讓他們明白接下來的動作是什麼，他們漠視著時間。喝水，按鍵盤，打卡，爭奪，群體演員輪流跑向不同方向（潮流）這些就彷彿是反映著社會人士對一切的事物理所當然，缺乏觀察力等現象，所以這些行為在戲內都不會沒有屬於他們的道具。

另外兩個我覺得重要的道具就是粉末和衣服。毫無四季可言的馬來西亞卻下去了雪，看似荒謬，角色們半信半疑下卻看出他們對飄雪存有著美麗的幻想，這不就是馬來西亞人民一廂情願對政黨有著幻想一樣嗎？其實粉末（雪）不過是一種白色恐怖的象徵。

衣服，馬來西亞的旅遊片段不就最愛利用各自象徵性的服裝來凸顯各族的文化特色嗎？戲有場非常凌亂又快速的群體換衣戲，這是我個人非常喜歡的一場橋段設計。這場戲搭配著緊湊激昂的配樂設計，不管男女演員都互相對換衣服，然後不斷對觀眾躺著張開雙腳和托著下體翹起下半身挑釁著觀眾，這根本就是被外來文化入侵強姦著我們的文化，而我們竟然還引以為傲著他人文化視作潮流。我們不斷被文化，膚色族群，性別所標簽，我們試圖反抗，卻只有更源源不絕差異等著標簽著我們，因為這是一個階級世界，所以我們都'需要'被無情標簽。

至於多場戲過於直白的肢體表演對我來說實在掃興和少許失望，比如在演員身上寫下cina字眼和對演員施暴是反映出和平集會的暴力待遇和對1malaysia動機的質疑。這種過於表面化的設計，看到的只有現象，沒有張力。後半段，演員的對白少了，多以肢體表現，也因此後半段大量的配樂出現是為了挑起觀眾情緒，由於我個人非常喜歡那調子音樂，我承認情緒確實被挑起了，但是空泛的。

其實，我更希望這演出是不用對白，一開場一眾演員靜靜觀雪，那設計已經很好看了，我多麼希望他們可以望得久一點。因為當他們一講對白還要是那種

：他說下雪了

：她說他說下雪

然後還要一眾演員一起講一句對白。天啊～為什麼馬來西亞的劇場都喜歡同聲同氣講對白，好像參加童子軍喊口號這樣。（好，這是我很個人不喜歡的東西）

對白在這次的劇場也沒寫得很好甚至也沒多重要，很多直白的設計，彷彿擔心觀眾看不懂而畫公仔畫出牆，少了文字的曖昧玩法。

《Tiapa》其實就是tiada apa的縮寫，是馬來西亞人民對國家的'樂觀'態度，或者也像是siapa對國家的冷漠，延伸出來只有更多的殘暴和剝削，不過，我們馬來西亞人不都很樂觀的嗎？Malaysia boleh～

復仇路上只有我和你—《The Revenant》

Alejandro González Iñárritu作品。不知是否自己觀察不到什麼端倪，《The Revenant》的劇本竟然比我想像簡單好多。《Birdman》不止在場面調度或劇本上，而是電影整體都算得精準，幾乎一半以上的劇本都是象徵和精神性符號，完全是衝著奧斯卡，也毫無意外的打敗與它類型極端的《Boyhood》。一個老謀深算，一個清澈如水（這樣形容對嗎？哈哈），但我更愛後者多一些。

講述男主角在探路時被黑熊襲擊，他成了隊員們的負擔。男主角的孩子和兩個男配角被下令留下來照顧他，tom hardy飾演的男配角覺得男主角會拖累他們被印第安人殺死，於是就想把男主角殺了。結果錯手把男主角的孩子給殺死，然後小李也開始了這場復仇之路。Tom hardy的角色很有趣，他不是被標簽化的壞人，他是一個很實在的普通人，為了生存不惜一切。然而在這種環境底下，他的觀點并非不成立，這只是人性一種最自然的本能。

《The Revenant 》的野心依然是衝奧，但相當意外他的劇本竟然沒有《Birdman》如此精打細算，這部的重點主題只圍繞著'生存是為了復仇'，影片花了一小時半的時間都在篇幅生存的意志，後一小時都是復仇的決心。雖然途中也穿插一些宗族歧視問題，人性的本質，宗教與無神論的對峙，但這些都是'生存'延伸而出的矛盾，這些穿插無疑是讓整體的主題更加的鮮明立體。

Emmanuel Lubezki的攝影作品我只看過《Children of Man》《Gravity》和《Birdman》，郊外，綠幕和劇場，這三部都各自在長鏡頭的領域以及意境上有著突破和驚喜，也難怪《The Revenant》大家依然期待他的長鏡頭突破。但這次他的長鏡頭少了，更注重於寫實風格，樹林戰爭和一些宏觀的大自然景色都利用自然光拍攝，多數近身特寫人類在不斷用剪輯大自然的空鏡來彰顯人性的狂傲自大。小李（男主角）求生時并沒有過多的對白，完全是靠著這攝影師的構圖設計帶出人類在大自然界對生存的渴望及人性的本能，以淺藍色色調象徵人類的虛無飄渺，生存的孤獨以及人性之間戮殺的冰冷。這次Emmanuel的鏡頭情緒和意境也是我目前最喜歡的一次，雖然前幾天看見網友分享一個視頻說《The Revenant》的構圖設計與Tarkovsky某些電影鏡頭幾乎一模一樣，當我看了對比視頻也嚇了一下。但我還沒看過Tarkovsky的電影，就不予置評了啦。

小李這次的演出看見大眾都說不是他的最好作品，但我沒看過太多他的表演，而我很喜歡他在《The Revenant》的演出，對我而言是精彩。對白不多，從殘喘於垂死邊緣的奄奄一息到在大自然界前的無助和孤獨，對生存的渴望而憶起摯愛和復仇的決心，角色情緒複雜多變，好奇他怎麼揣摩一個接近是野人的角色。但覺得有點可惜後半段小李太多對白，他獲救回來之後還要談作戰方案和爲受害者解釋來龍去脈，我在想歷經了被熊攻擊到幾乎至死，被自己的隊友拋棄，孩子更被其中隊員殺死，被大自然界的冰天雪地襲擊，還要跌下懸崖和瀑布，既要自尋想辦法獵食又要躲避被印第安人追殺，經歷了那麼多艱辛不堪的求生計，這種環境下他應該更沈默或暴戾，至少人物的情緒應該更俐落，更野人一點，純碎復仇，不需要言語了。（小李還要生吃肝臟，生吃魚，佩服他的勇氣。）

《Babel》之後，導演再次找了坂本龍一來擔任配樂，但我個人就覺得效果不如《Babel》出色。反而，音效這塊的處理比配樂來得更好，收錄了大自然界的聲音；人類的殘喘聲，河流的漂流聲，動物的鳴叫聲，蟲鳴聲，甚至連看不見但也有絲絲的蒼蠅的徘徊聲音。這種大至自然界，小至昆蟲的聲音，都是紀錄著萬物生存的象徵和存在。這點對生存的主題是非常大的幫助，多少部好萊塢電影會利用音效強化主題和生命呢？多數不外乎都是靠著對白和演技，音效只注重於爆破場景。另外，近年都覺得好萊塢的動作設計越來越好看了，Mad max和這部的設計都好寫實俐落。

個人這部電影的技術性非常強，錯誤處也犯得鮮少，奪奧的幾率的不小（Big short是大黑馬，直覺他很大機會得最佳電影），而這導演也是我覺得目前進軍好萊塢都保持著一定水平的一位。

*其實有注意到birdman和這一部都有隕石的墜落一幕，但個人想不出端倪。這電影對信仰和無神論的戲份處理也是很不錯，但懶惰寫了～哈哈哈

宣傳創意大於電影—《Deadpool》

Tim Miller作品。從海報設計至宣傳到口碑，這漫畫英雄的路線都是反英雄，嘴賤等形象，而嘴賤形象的人物自然吸引嘴賤的我。

這部電影反英雄，打破第四道牆與觀眾互動，將部分電影幕後的事跡通過這人物作出調侃，諷刺美國漫畫英雄和美國笑話，原本這種題材可以很過癮很抵死，可惜對我來說這套悶場連連。不否認有些笑點我并不了解，電影也並不是拍的不好，看得出導演試圖顛覆一般好萊塢英雄電影的敘事手法，但在我看來，這顛覆其實也不過是公式化的變動，不出驚喜。有如前幾年前的Ted，一樣也是將原本可愛善良形象的熊公仔顛覆得下流低俗好色。

電影敘事的跳躍剪輯手法加上調侃的對白，其實在美國電影也屬常見，這手法對我而言是惡搞多於創意。《The Big short》雖然大部份時間我都是癡呆狀態，但其敘事能力對我來說才是創意，以不同階級人物對觀眾分析金融學術語，又或者《House of card》打破第四道牆對觀眾喃喃自語的設計，嚴肅沈重的題材通過第四道牆，諷刺和玩味都十足。這是因為他們的對白或隱喻手法與故事的背景極端，諷刺就會昇華成玩味；而《Deadpool》背景屬於虛擬輕鬆電影，其實可以玩得更大點，但可惜他只是將這人物設計得輕佻，低俗，但依然是逃不出英雄的英雄狀態的框子裡。由於背景並不屬於真實性的，若去得不夠儘的話，惡搞成分會高於玩味。Ted 2口碑不一，但我個人覺得會比這部好。雖然玩味不足，但導演利用虛擬背景（玩具熊）去談人權和存在感的議題，這樣的設計就有了諷刺的快感。（至於拍得好不好就見仁見智）

《Deadpool》就是在公式化的英雄形象裡耍了點低俗，耍了點白癡加上扮下萌，要讓人對這人物留下印象其實不難，但我覺得幾個月後我就對這電影毫無印象了，我只記得這角色。海報與宣傳比起電影更有創意。

周星馳的內心世界與符號。豈止娛樂片那麼簡單？—《美人魚》

周星馳作品。華人影星之中要聞名世界的通常都是武打明星，比如李小龍，成龍以及周潤發（也是以動作片聞名），而喜劇的話目前似乎只有星爺一位。周星馳一名除了是喜劇偉人外，更是多數華人的跨時代記憶。周星馳雖然沒主演《美人魚》，但單是'周星馳作品'這金字招牌，首日票房就已經破億，更破了中文電影的首日票房紀錄。

中港合資難再有港味，所以這也是令很多人覺得周星馳不再是以前的周星馳，其實，周星馳確實不是以前的他了，他不斷在進步著，是我們觀眾一直緬懷著昔日的香港，那些伴我們成長的低俗笑料歲月。現實中香港如今都幾乎面目全非，而觀眾卻還在停留在香港電影最輝煌的年代，如今變得是電影，是人，更是時代。

星爺執導作品裡，我認為《功夫》是他拍得最好的一部，《美人魚》是《功夫》之後最令我感動的劇本，感動的是這部看見很多星爺符號及內心世界。華人喜劇電影至今產不出另一位笑匠，是因為他們不像星爺明白喜劇本質是悲劇，星爺的戲感動往往都是脫離不了草民的勵志和共鳴性。其餘電影頂多也只能抄襲周星馳的無厘頭，可是出來的效果只剩下惡搞，毫無內涵可言。

《美人魚》一開場就滿滿周星馳式的符號，比如：鹹魚，雞翼，醜女，笑到窒息，童話愛情等。其中一段是我最喜歡的台詞：就是你是XXX（通常是被人瞧不起的低階級人事物）也影響不了你是XXX（萬人敬仰的事物）的身份。這類型對白很勵志，莫問出處，只需你不放棄，你也能達到被敬佩的人物，星爺搞笑背後總是那麼激勵人心。曾在《少林足球》出現過經典道具的鹹魚，在這次也出現了。當年的 '人如果沒夢想，和鹹魚有什麼差別？'到現在的《美人魚》鄧超角色的迷失，彷彿和星爺現實中是呼應的。鹹魚一直被星爺拿來比作人生的無奈和自我的嘲諷。

周星馳再次以'鹹魚'自我調侃一番。

《美人魚》的核心問題是講述生態環境及環保，其中不失周式笑料和童話愛情的憧憬。鄧超角色是周星馳的投射，有一幕和女主角吃燒雞最讓我感動。周星馳兒時家裡貧窮，雞是奢侈品，母親常把雞讓給他吃，他唯有把雞肉推翻在地骯髒了，母親因不捨讓他吃骯髒食物才願意把雞吃了，所以雞肉這東西常出現在周星馳電影裡，甚至是重要道具。當鄧超吃完雞肉并唱出'無敵是多麼寂寞/空虛'，那幕彷彿是唱出了周星馳內心的孤獨和空虛，這首歌的歌詞也是出自星爺手筆，沒想到他會將他的內心寫得如此坦蕩刺裸。由於我個人一直對星爺的內心是充滿想像，一直想透過他的電影慢慢組織一些他的內心世界，所以當我看到這一幕時，我真的被感動了。

星爺導戲向來一流，被他用過的女主角無一不紅，林允這角色可愛討喜演技又好，星途有望。她與鄧超的愛情戲一如既往是灰姑娘的童話愛情，由開始是醜女/低階級女生愛上了男主角，這樣的設計，也令人好奇星爺是不是將自己深愛過的女人類型塑造筆下的女主角？（好八卦）至於羅志祥，和上一次一樣，他的笑點演出是需要另一位老女人來襯托出來，雖然不至於令人討厭，可是離留下深刻印象的演出還有好一段距離。

如果你希望他還是90年代的周星馳，對不起，沒有。時代變了，環境變了，他也變了，只剩下觀眾還不願意前進。所以如果你還奢望有屎尿橋段，也沒有。老實說，這電影的梗都是老梗，但星爺的敘事功力更穩重了，能將嚴肅題材批判得充滿娛樂性又有血有淚，我相信目前也應該只有周星馳能做到。如果你為了要笑而笑，這部不會是好選擇，但如果你是真的很愛周星馳電影的話，這是我覺得他的回勇之作！至於環保課題是星爺去年開始就一直在跟進的項目，他一向來不談太多自己的私事和想法，但《美人魚》像是他以電影來回應世人的作品。這部電影，又何止娛樂片那麼簡單啦？我推薦！

魯蛇的青春-《青春，半生不熟》

《不求上進的玉子》/《青春，半生不熟》

山下敦弘作品。由於自覺個人非常頹廢，所以也特別鍾情頹廢類型的電影。其中以日本的最讓我深愛。他們對'頹廢'不如一般華人或洋人灌輸刻板式的墮落定義，日本更常將頹廢表現得只是一種純碎的狀態，不多加批判，不值入任何的道德標準，而是讓觀眾正視頹廢的面貌。

若以為這部戲是講述內心自我放棄的故事的話，那就大錯特錯。女主角是大學畢業後就終日躲在家做寄生蟲，不找工作，看漫畫，吃零食，睡覺，看著新聞台不斷謾罵日本毫無前途。照顧她的只有單身父親，他們之間的關係擁有著奇妙的關係，一方面爸爸非常憤怒女兒的頹廢，一方面又不斷的從容她；女兒似乎有點不屑父親，認為他的所有付出都是理所當然，但面對父親尋找第二春時卻產生醋意和矛盾。

影片的節奏緩慢，以春夏秋冬四季來貫穿情感的流動和轉變，只有七十分鐘，當好奇導演講了一小時的故事卻還沒進入重點的疑問時，戲結束後的情感才會從內心慢慢湧上來感受得到這部片子的魅力之處。沒有任何的信息，說教，批判或諷刺，整體的狀態乾淨利落，彷彿只是記載了時間的流失和細微內心轉變。

誰說青春一定要墮胎？青春要對著天空吶喊？青春就要淋雨？青春是什麼？人說青春就是拿來揮霍的，因為這就是你的本錢。是的，這部電影的青春就是如此放肆揮霍，因為他有父親繼續的供養她，而她也還年輕，青春就是任性。誰會有興趣拍攝魯蛇的生活圈？我相信也只有日本。若你也看過其他國家的魯蛇電影，請介紹我。山下敦弘這導演需要被記下，因為他的前幾部作品似乎都是圍繞著頹廢的議題。

愛情的記憶碎片—《自由之丘》

洪尚秀作品。依然散發著洪式風格，細述生活和感情小事，豔遇/遇見婚外情，談文學談社會談兩性等話題（令我聯想起Riachrd Linklater）。但你以為一切平淡似水的進行著時，你才會發現時間軸已被導演擊碎，並需要將他們重新拼湊。這些手法多數導演都喜歡用在懸疑片/動作或者黑色元素的電影，但洪尚秀則把它放在愛情上。

比如這部《自由山丘》我認為其手法用得高明，高明之處不是把它們搞得多隱喻或者燒鬧，反之這部雖然敘事手法并不是順序的，但并不難理解，反而還多了一絲絲命運嘲弄的笑話及虛實難分的色彩在內。

女主角接收曾愛慕她的日本男信件時不小心將這十三張紙條灑落滿地，但女主角卻只拾起十二張，遺留了一張在樓梯口。有趣的東西就開始了，女主角在細讀信件內容時，這時畫面就出現了日本男主角在信封裡的內容，可是這些男主角的敘事節奏是破碎的，因為這十三張紙條是沒標簽數字，所以女主角閱讀時也是跳躍式的。

因為這種'失誤'，電影多了一絲絲的惆悵的距離感，這種跳躍的敘事分段卻又和日本男主角的性格是一致的。男主角到韓國尋愛人時常到'自由之丘'咖啡館停留（自由之丘也是東京的一個地區），在他與陌生人對談時透露自己是沒計劃接下來的旅程，這性格卻和整體的敘事風格是呼應的。然後洪尚秀設計這麼一句對白：我猜你應該是藝術家，因為藝術家都這樣性格加上你有鬍鬚（大意如此），是非常調侃'藝術家'的框架之意。

然而高明之處在於影片一開始就注明了這是十八歲以上才能觀賞的標誌，可是戲內並沒有暴力血腥和太情慾的戲份，究竟這十八歲才能觀賞的內容在哪裏？是否是遺留在樓梯口的那張紙條？或是導演純碎開的一個玩笑？看洪尚秀電影簡直就是享受，淡淡的敘事，卻更多意想不到的驚喜，時而輕述時而批判，時而提出問題讓觀眾思考時而調侃大眾思維的自我限制。這也是洪尚秀至今時長最短的一部，僅有66分鐘，可是劇本的精準和玩味令人回味無窮。洪尚秀也列為我最愛的韓國導演前五名。強烈推薦！

又是心中有鬼—《紅衣小女孩》

程偉豪導演。憑著《保全員之死》榮獲金馬獎最佳短片的程偉豪，《紅衣小女孩》是他的首部長片。

改編自台灣轟動一時的民間傳說/真實事件，登山者用著V8拍攝沿途紀錄，之後看回視頻時發現有位紅衣小女孩跟隨他們在後。其五官模糊，之後拍攝的那人就厄運連連，事業低潮，被經證實後紅衣小女孩是'魔神仔'。

'根據傳聞描述，魔神仔是好奇或者調皮的精怪，會迷惑人類的心智或惡作劇，戲弄別人，其戲弄對象通常是老年人或者兒童，作法則是將人帶到山野川湖，使其迷路，無法回家，類似日本傳說中的神隱。' —摘自維基

電影的氛圍都營造得不錯，也算是台灣鬼片的小突破吧。台灣驚悚片最令我留下深刻印象的是《雙瞳》（之後的詭絲也挺有趣），之後鬼片這題材似乎都不是台灣的主流題材了。

優點是，氣氛不錯，不像一般好萊塢鬼片都是男主角不信自己老婆看見鬼，一直叫他早點睡覺，睡到老婆差不多要死了要甘願花錢來請抓鬼。這部的主角至配角全部都是相信民間的傳說，而詭異的地方就是只要你呼叫對方全名，魔神仔就會跟隨你。這設計的有趣是無關香港鬼片常論的陰陽氣輕重，也不是美式的以鬼來象徵小三破壞家庭美滿的橋段，這個驚悚點在於無關你帥不帥是不是男主角，你都有可能會遇見鬼。

缺點是，劇本空洞。依然逃不出華人鬼故事的'事出必有因'說教精神。為什麼不能讓人純碎的遇鬼？為什麼每次要套一大堆理由說因為你曾經做錯時，于心有愧讓魔鬼趁虛而入的橋段？而魔神仔的角色也過於CG，（有一度錯覺以為自己在看魔戒）深受好萊塢的鬼影響，喜歡大剌剌讓觀眾看見他們的鬼樣，而少了東方鬼含蓄的躲躲藏藏的神秘幻想。

雖然如此，但電影整體還是可觀的。（只是我太不悅華人每次說教的鬼故事罷了）而紅色，我想也是我最怕在獨自一人的深夜裡看見的服裝顏色。哈哈

再次相信什麼？—《Ola Bola》

青元作品。闊別兩年的最新作品，結束了他之前的尋親三部曲，這次的野心和目光已更大更遠。不誇張，這部有可能是本地中文電影裡最大製作的一部。

青元的三部曲裡，我覺得以《天天好天》是最令我滿意的。《大日子》的演出過度浮誇，失真；《天天好天》的哭戲雖然都很用力，但一些老人的情感戲是我覺得他至今處理得最好；《一路有你》則是雷聲大，雨點小，也是最令我失望的一部。其劇本鬆散，凝聚力不足，但勝在有美景彌補。

《Ola Bola》除了搭建80年代的遊樂場，更令人驚喜的是那些鳥瞰森林海邊等地域性的鏡頭，畫面美得拿去拍旅遊廣告肯定大為吸引。

我只能說，這次的作品不過不失。我以為這電影的焦點會多放在三族的背景差異而產生價值觀分歧的東西，畢竟足球不是個人主義的運動，加上馬來西亞的多元文化存在，其實應該可以更好發揮團隊之間的角色張力，但並沒有。電影更多注重在足球的戲份，至於文戲劇本只是交代幾位主要人員的背景生活，探討他們夢想背後的艱辛。那麼，有多艱辛呢？所謂的艱辛其實也不過是被人瞧不起，過於表面，而完全感受不到國家隊員的心理壓力等。

但，也因為是多元文化的關係，這電影若描寫太多文化差距的戲份，也肯定會引起一些他族觀眾的挑剔和放大，比如當年Yasmin ahmad電影就引起觀眾馬來同胞批評說是討好華族，又或者<lelaki Harapan dunia>被指貶低友族等例子。<Ola Bola>乃是大製作電影，許勝不許敗，我認為導演對文化刻畫的不足，恰恰也是導演的聰明處，或者說，青元從來都沒打算描寫文化這塊東西，僅是要表面帶過。（一路有你亦是同樣問題）

我一向來都認為本地華人演員若和友族演對手戲的話，肯定缺點一覽無遺。這次亦不例外，印度演員Saran kumar的演技是全片最精彩，而華人演員裡我則注意到了劉倩紋這女生。如我以上所說，艱辛這課題不在劇本之內，所以劉倩紋的角色也是淺談，但那場哭戲帶著憤怒與失望演的神情表現出色，略有彌補劇本的不足。至於我很愛的馬來演員Bront Palarae這次的演出雖然不如他以往出色，可是這次他則用了聲音來表演，爲電影大大加分，甚至他聲線帶動觀眾的情緒起伏遠比配樂還要強。

如果你認為音效這回事只是需要在好萊塢或鬼片才被正視的話，反正劇情片的音效也不會有多麼高潮迭起，那就去看看<Ola Bola>。杜篤之的對細節音效的控制，確實幫助了某些演員的生疏演技。

這次依然是有著素人擔任主角的構思，但其中又會找了本地明星擔任路人甲，由於一般華裔觀眾不熟悉其他宗族演員和素人的關係，只要畫面一出現他們熟悉的明星臉孔，一些uncle 安娣說不定會對著銀幕會心一笑和身旁的人說：'你看，黃一飛哦'的自然反應，所以電影途中不時會穿插一些華人明星娛樂觀眾。這點，導演和剪接師都算得精準。

尋親三部曲靠著華人傳統教育以及對愛的拘束成功引起觀眾的共鳴而不斷創票房新高，可是到了<Ola Bola>這種追夢加上足球題材又是否能再創下奇蹟？電影的口號是'再次相信'，那再次相信什麼呢？我相信廣告和媒體及網絡的力量。

總結來說，你若只求音樂帶給你熱血與高亢情緒就能熱淚的話，這部肯定能賺你眼淚。若是像我這種挑剔的觀眾，更想看見星光背後的心酸世界的話，那就別期望你可以表演柔情的一面了。

*馬來演員的角色叫Ali，印度演員的角色叫Muthu，華人演員的角色叫Ah keong。原來小學填鴨式教育的慣用三個名字都是足球員，不知道現在的學校流行著什麼名字對學生植入刻板的族群洗腦術？哈哈

邁向死城的步伐，現在就已是烏托邦世界—《迷河》

Ryan Gosling作品。型男實力派演員首次編導處女作品，這宛如一場視覺盛宴，每一幕都美得令人目不暇給，充滿奇幻燈光的色調，詭異帶驚悚的後搖及迷幻樂，還有各種血腥的暴力設計，勢要滿足觀眾的生理至心理。

除了超高水準的技術性外，在劇本方面也有非常大的驚喜，大量的符號和隱晦的劇情，以奇幻色彩批判著資本社會的縮影，將現實與幻境玩弄得虛實難分。

影片一開始就看見大量荒廢屋出現在毫無生氣的死城中，一棟棟的屋子被焚燒，被摧毀。男主角的屋子就快被拆遷，他靠著去偷廢屋的銅鐵變賣付還貸款以保家園；而母親則去了一間光怪離奇的酒吧工作，那裏表演著各種嗜血的極端暴力盛宴，充滿著黑暗和邪教般的氣氛，越血腥越興奮。然而在這絕望的荒城之前，這裡曾有著繁榮和幸福的環境，但政府為了向山谷裡畜水，把山谷變成人工湖，無奈失敗將這城市淹沒成為了魔咒。Ryan gosling的劇本設計精彩，很多時候他并沒有明講，而是用了大量的意象手法敘事，之中就用了大量極端對立的設計去輔助劇本的鮮明，這對母子（男女主角）都為了保護家園而去對抗'惡勢力'的剝削，孩子面對的是'野蠻'的低下階級的惡霸，目前則面對'文明'的上流資本主義者，這隱喻的批判鏗鏘有力。

這部電影預言著未來世界的生態環境和城市，經濟低迷，人民處於絕望狀態，極強的貧富懸殊，欲望的扭曲，被遺忘的城市，文明盡失，靠著暴力及被剝削的苟活等頹廢狀況。然而這些魔咒其實離我們根本不遠，或是說我們的國家已經邁向這個方針前進。但Ryan Gosling卻給了觀眾一個希望，就是男主角去打破這個魔咒，只是，現實之中別說個人主義，就算成群結隊去對付這'魔咒'也於事無補，現實總是比電影更加的荒謬。

影片也入圍67屆康城影展的'一種注目'單元，而Ryan Gosling往後的幕後功力也是值得關注和期待的。推薦！

向電影和特攝片致敬之作—《In the hero》

13/01/2016

武正晴作品。以特攝片做為故事背景向電影的所有工作人員表示敬意的作品。影片一開場就效仿特攝片的攝影角度和手法，實在過癮，但可惜結尾過度煽情而失真了。

講述男主角默默當了無名的替身演員多年，名字卻從不會出現在電影演員的名單內，因為不會有人有興趣知道穿著英雄戲服內的人是誰。某日來了一位偶像派新演員（也是特攝片出身，拍過蒙面超人fourze。那部是最低收視率的戲，簡直是幼稚，但他帥得令我留下深刻印象），他夢想可以得到奧斯卡向母親證明自己。武師替身認為電影是群體的工作，應該尊敬每個崗位的工作人員，他們造就了螢幕上的英雄，而偶像演員則認為這不過是一份工作，他的功課就是不斷演好自己角色，其餘的不需要在意。兩位主角除了是價值觀的分歧外，渴望在電影世界裡得到的認同感設計很強烈對比，荒謬；只求自己名字會出現在電影名單內得到基本的尊重和渴望得到最高榮譽的獎項來證明自己。

古谷敏是奧特曼第一代的皮套英雄，他是一位非常有想法的演員，他因為非常憧憬James dean這演員在《Rebel Without a Cause》的其中一個姿勢，一直夢想自己可以用那姿勢在螢幕上出現。直至有次飾演奧特曼與怪物備戰時為了不遮蓋背景，於是他最後選擇了半蹲，這姿勢是參考了James dean的動作，除此之外他也自己賦予奧特曼有著'敵不動我不動'的不主動攻擊想法設計。當年的皮套不是一人就能穿或脫下，需要三至四人花上三十分鐘才能完成。帶上皮套後，面具部分有呼吸困難的問題，但由於不能自行脫下皮套，這痛苦也是個恐懼陰影。當然不止這些，穿上被燈光照射熱得接近烤的地步，因爆破場面的煙霧進入面具而缺氧，水滲進面具內宛如溺斃的感覺，以及手腳撞傷或扭到等等。

古谷敏參考James dean姿勢并加以設計的經典動作。

古谷敏卻不因此而抱怨，但年齡的增長他覺得已支撐不來想辭演。某次在搭公車回家聽見小孩們熱烈討論著奧特曼的興奮和期待表情而改變了心意加強鍛鍊身體克服痛苦，為了小孩的夢想繼續飾演奧特曼。其中有一集，壞人奧特曼和他穿著一樣的皮套戲服對打也解破他他的疑問-任何人都能勝任的工作我為何還需要堅持？原來他的所有動作早就已經成了觀眾心目中的經典，即使穿著皮套也能感受到那演員的生命力，這絕對沒有人可以替代。比如奧特曼的必殺技十字死光姿勢，那美態是科技取代不了的生命感。

日本特攝片和美國英雄片向來有著極大的落差，日式是幼稚的，美式是成人的熱血，我是看日本特攝片長大的人，一直都很渴望有人可以認真拍攝幕後英雄的內心世界和心酸。雖然這部并拍的很好，但出發點我好欣賞。只是，如今的特攝片已淪為商品化，特效居多，毫無生命力，輕而易舉就能被取代。我很慶幸我的童年是充滿生命力的英雄陪我度過，這很美好。

如詩般寧靜的療癒劇—《糖果之家》

石井裕也編導作品。登米祐一（編劇）和池田克彥迷（導演）一起合作編寫和執導其中一集。迷你短劇，一集二十五分鐘，僅有十集。療癒系作品，倘若你喜愛日本文化和電影，這部是絕對不能錯過的上佳作品。

紀錄著男主角與奶奶住在爺爺遺留的老式糖果屋裡，屋子的後院都是男主角的身邊好友的集聚地，有被社會淘汰的中年男，有追逐夢想的男人，有隨波逐流但樂觀的呆男，有堅強又善良的老奶奶，有被婚姻遺棄的女住角，和正在尋找著自身夢想的男主角。相信觀眾都能在這六位主要的角色找到自己的共鳴，沒有高潮迭起的情節，只有最重要的小事。

時代的巨變，老式糖果屋的命運又該何去何從？上一代人努力留下的遺物，我們這代人又該如何保留？又或者這些是阻礙我們前進的絆腳石？而我們也之需要將他們的努力換作是回憶和動力？轉變是必須的，但快速變動卻又令兩代人的價值觀產生巨大的分歧，無從適應。

我必須狂贊編劇的寫作能力和觀察力，一些我們已遺忘或忽略的小事透過編劇的想像力及幽默與導演寫實的呈現，卻意外的產生另一種淡淡的傷感和哀愁，那感覺持續在我腦海，揮之不去。這部戲是療癒系列，自然最講究就是氛圍處理的拿捏，過多就煽情說教，過少就就拍不出那種點到為止的散文式劇本。戲裡的主角至配角，每一位的演技都豐富得令人印象深刻，劇本是通過男主角的視角去看世界，而小田切讓的獨特氣質也成功被導演大釋放，那獨有的氣質配合所有，整部戲已經達到靜態美的意境和如詩般的韻味。

戲裡的宗旨也不過是老套的勸導觀眾要有勇氣和不放棄的精神，但絲毫不說教和囉嗦的感覺。背光和暖色色調將整體畫面的質感變得乾淨，舒服。絕對不是一般偶像劇電影的濫用背光就當是浪漫舒服所能匹敵的效果。這部劇也讓我想起是枝裕和的作品，都是平淡的日本家庭生活劇間又可看見社會的體制問題，但石井裕也多了一些男生們之間的奇幻幻想，浪漫非常。

白蟻爭穴年代，為了盲目追逐名利而忘了最初的夢想和美好時光，忙與遺忘彷彿是成年人理所當然的專利，既然如此，成為大人究竟又是為了什麼？該孤雲野鶴或是雞鶩相爭向來都是難以選擇的問題題。但切記，莫忘初衷。我看的日劇不多，這部是我暫時最愛的一部！強烈推薦！！